LO QUE PIENSA JORGE LUIS BORGES DE LA 'CRISIS'

"El problema económico es el principal enemigo de la libertad. Hay una distribución tan injusta de los bienes que nadie puede negar eso. Yo creo que [en los países ricos] la clase social más importante es la clase media, salvo que ahora la clase media tiende a tener los mismos ideales que la clase alta, busca parecerse a ella; aunque económicamente se hace todo lo posible para hacerla descender. Y eso de parecerse a la clase alta a mí me parece que es un error. El lujo es casi tan odioso como la indigencia. Para mí, el hecho de que haya lujo, de que haya un palacio, es tan horrible como el hecho de que haya chozas y miseria. Yo recuerdo ahora aquellos versos de una epístola sevillana del siglo XVII que dice: "Una mediana vida yo posea / un estilo común y moderado / que no lo note nadie ni lo vea." Ese es un estado ideal con el que yo me identifico plenamente. Cada uno debe hacer lo posible para superar los obstáculos que la realidad nos presenta, y renunciar al lujo, a la ostentación y al afán de promoción. Si cada uno obra éticamente, el mundo mejorará. Claro, yo no sé hasta qué punto es posible obrar con ética, ya que todos somos de algún modo cómplices y estamos involucrados en este sistema de intereses brutales." Jorge Luis Borges (1899-1986) en 'Conversaciones con Borges' (1985) Editorial Atlántida, Buenos Aires.

FACEBOOK Y EL ORIGEN DEL MUNDO (Gustave Courbet)

Al pintor francés Gustave Courbet le molestaba mucho la hipocresía, en especial la del gremio artístico academicista, que se escandalizaba ante este inofensivo desnudo completamente natural y en pequeño formato, mientras ellos colgaban en el Louvre monumentales cuadros mitológicos llenos de homicidios, humillantes violaciones, maltrato hacia la mujer y escenas pornográficas y de esclavitud femenina. De quienes pudieron ver 'L'Origine du Monde' recién pintado, el que peor lo acogió fue su amigo el artista norteamericano James Whistler, que era novio de la modelo y que dejó de ser amigo de Courbet a partir de entonces; (tal vez no sólo por celos, sino también al darse cuenta de que él mismo jamás tendría ni su talento ni su atrevimiento.) Hoy en la era del libertinaje occidental, cualquiera pinta genitales femeninos, sin embargo en aquella época (1866) hacerlo era pecado. 'L'Origine du Monde' se mantuvo oculto durante 130 años; fue mostrado por primera vez al público el 26 de junio de 1995 en el Musée d'Orsay, donde aún sigue expuesto. [La siguiente imagen fue tomada en 2005, cuando los muros de la sala dedicada a Courbet eran todavía luminosos.]


En 1866 se consideraba pecaminoso retratar genitales femeninos de manera natural. Lo tabú hoy en día es exponer desnudos artísticos en Facebook. Cuatro usuarios que publicaron 'L'Origine du Monde' en sus perfiles (entre ellos el artista danés Frode Steinicke) vieron sus cuentas inhabilitadas por 'incumplimiento de las reglas comunitarias', que excluyen el nudismo artístico también. Estados Unidos funciona así; la costa Oeste es el paraíso de la más denigrante pornografía, mientras que el sur profundo y la costa Este católica (famosa por sus escándalos de pederastia y por haber dado escuela al ciber-cavernícola Zuckerberg) son el reducto de la más denigrante hipocresía. El caso es que en la red sociopática miles de putones en tanga difunden álbumes llenos de antiestéticas imágenes exhibicionistas y nadie les dice nada; por no hablar de las legiones de sádicos psicopáticos enorgulleciéndose de su cobarde brutalidad cazadora, junto a los cadáveres de los pobres animales que masacran a distancia con sus rifles de mira telescópica. A esos ya puedes hartarte a denunciarlos, que sus páginas sangrientas siguen abiertas. Sin embargo, si publicas tú allí una magnífica e inofensiva obra de arte que es patrimonio de la Humanidad y cuyo original se encuentra expuesto en el prestigioso (y maravilloso) Musée d'Orsay, te la eliminan los censores sin previo aviso, en base a las múltiples denuncias de un aquelarre de petardas iletradas que no saben ni quién fue Gustave Courbet ni dónde se encuentra el Musée d'Orsay, por supuesto.


A nosotros nos sucedió algo idéntico en septiembre 2011 con 'La Mujer y el Pulpo' (1814) el más famoso grabado Shunga del clásico japonés Katsushika Hokusai. En cuanto lo expusimos en Facebook se acumularon las denuncias y en menos de 24 horas ya lo habían borrado y nos habían enviado una robótica notificación de bloqueo temporal. A continuación lo re-publicamos en media docena de cuentas distintas, por rebeldía, pero en ellas también sucedió lo mismo. En fin... Ese es otro de los motivos por los cuales hemos acabado marchándonos de allí voluntariamente y per saecula saeculorum. En esa monstruosa red de hipócritas, no toleran la exposición artística de la desnudez humana. En nuestra humilde pinacoteca virtual, no toleramos la censura de obras maestras. El Museo de la Luna

Aunque si hay que censurar, sépanlo, también existe la posibilidad de hacerlo artísticamente.

Click > Ropa interior de Fanny Viollet para L'Origine du Monde

Canción: WHAT'S A GIRL TO DO (Natasha Khan)

La ciclista guía es la británica Natasha Khan (25 de octubre 1979), alma de Bat for Lashes.
El vídeo, muy del signo de Escorpio, parece cuento de terror para la noche de Halloween.
La canción no es exactamente una obra maestra, pese a su poética letra y bello estribillo.
Sin embargo, debido a la simetría y la sincronización, hay algo magnético en las imágenes.
La peor pesadilla imaginable, es algunas veces más armoniosa que la antiestética realidad.
Incluso un absurdo paseo nocturno en bicicleta por un bosque, seguida de enmascarados.
(O no tan absurdo, interpretado como el alma de una chica que ha muerto en accidente.)

Click > Natasha Khan en el Day Dream Festival de Barcelona (12-6-2008)

EL PLAN DE RESCATE DE LOS BANCOS (Clay Bennett)

Los afanosos 'bomberos' son los gobiernos (robando a los ciudadanos para salvar a la banca).
Lo que no aclara muy bien el dibujo es que la culpable del incendio es precisamente la banca.
Por lo demás, el concepto describe a la perfección lo que está sucediendo en los países ricos.
Quien sabe cómo se ha producido el desastre financiero mundial y dónde están los causantes,
sabrá que con la décima parte de los 2.000 millones de euros que cuesta rescatar a un banco,
se protegería contra el hambre a 1 millón de las víctimas de la especulación agroalimentaria.
En cuanto a las víctimas de la especulación crediticia e inmobiliaria, otro tanto de lo mismo.

Click > Página web del dibujante Clay Bennett

VI UNA CASA QUE ME GUSTÓ (Forges)

'Quien a buen banco se arrima, mala sombra le cobija.' Proverbio Selenita

Dibujo: LA MENDIGA (João Ruas)

La única ilustración del brasileño João Ruas (São Paulo, 1981) que salvaríamos de un incendio.

Grafito, acuarela & gouache sobre Papel (2009) 20 x 20 cm. Website > www.feral-kid.com

EL DIBUJANTE DE LOS DEDOS ROTOS (Ali Ferzat)

El 25 de agosto de 2011 el dibujante Ali Ferzat sale de su oficina en Damasco (Siria) y se dirige a casa en su automóvil. Por el camino un vehículo de cristales opacos le bloquea el paso, bajan de él varios matones encapuchados de las fuerzas de seguridad del 'presidente' Bashar Al-Assad armados con porras de policía y se lo llevan secuestrado a un lugar de las afueras. Allí le torturan, le rompen los dedos, le machacan las manos y le destrozan la cara a golpes. 'Ahora veremos qué sigues dibujando' - le amenazan. A continuación lo arrojan desde un vehículo en marcha a 15 kilómetros de la capital, en la carretera al aeropuerto. "Nadie se detuvo a socorrerme, debido a lo horrible y ensangrentado de mi aspecto..." - recuerda él. Finalmente un camión aparcó a cambiar una rueda y los obreros que iban en él se lo llevaron con ellos de vuelta a la ciudad. Ali Ferzat se exilió a Kuwait y lleva allí medio año recuperándose de las gravísimas lesiones infligidas en sus manos por los sicarios del cobarde Al-Assad. Ahora sigue ejercitándolas a diario con el fin de volver a dibujar.

Caricaturista político desde hace 30 años, su revista Al-Domari apenas duró un par (2000-2002) desde que Bashar Al-Assad llegó al poder; primero le censuraban páginas enteras por atacar a la mafia económica del país; finalmente, se la clausuraron. Durante décadas, los dibujantes sirios utilizaron símbolos para evitar la censura; por ejemplo, cuando Ali Ferzat se refería al poder, dibujaba una silla. A partir de abril de 2011, coincidiendo con el estallido de las protestas de la Primavera árabe, le echó valor y se convirtió en el primer dibujante sirio en retratar al 'presidente', a sus ministros y a sus 'servicios de seguridad', de manera reconocible. (Era la primera vez que alguien se atrevía a algo así desde 1963.) Y la osadía le costó que apenas cuatro meses más tarde le quebrasen los dedos; que es como cortarle las cuerdas vocales a un barítono o romperle las piernas a un bailarín. A pesar de ello, él está decidido a volver a Siria y tiene la total seguridad de que la insurrección triunfará: 'La respuesta de represión ha fracasado. Antes la gente vivía con miedo; yo mismo tenía miedo. Pero ahora la gente se lanza a pecho descubierto contra las armas mortales. Prefieren morir luchando por su libertad antes que seguir malviviendo con miedo. A mí me pasa lo mismo. Dibujar es mi única profesión. El arte es un regalo de Dios y yo debo seguir transmitiendo mi mensaje.' Su consuelo mientras se recupera, es que le concedieron el Premio Sajarov y por encima de todo que sus colegas a nivel internacional le hayan rendido homenaje en multitud de diarios con emotivas viñetas y caricaturas en las cuales se solidarizan con él y aprovechan para retratar a Al-Assad con la virulenta animadversión que se merece semejante criminal. La siguiente, obra del dibujante norteamericano Nate Beeler, es nuestra favorita de todas ellas. El Museo de la Luna

LA VIÑETA QUE HIZO RABIAR AL DICTADOR (Ali Ferzat)

El (ex-)dictador de Libia huye en un jeep y el dictador de Siria hace auto-stop con su maleta.
Cuando Bashar Al-Assad vio esto, ordenó a sus matones que le rompieran los dedos al autor.
En realidad Ali Ferzat no es el mejor dibujante, pero en un país sometido a censura y miedo,
a los caricaturistas políticos se les admira por su valor de hacer críticas a los más poderosos.
Ferzat es muy conocido en el mundo árabe por ello más que por la excelencia de sus viñetas.
Y ahora, después de la criminal paliza que recibió, se le conoce y homenajea a nivel mundial,
mientras que el dictador evidenció lo mafioso, cobarde y brutal que es. El Museo de la Luna.

BARRIGA LLENA NO CREE EN HAMBRE AJENA (JRMora)

Ban Ki Moon, excelentísimo Secretario general de la Organización de Barrigas Unidas (OBU)

"Declaramos finalizada la hambruna en Somalia. LO DE AHORA ES SOLO HAMBRE ATROZ."

QUIERO PAN (Idígoras & Pachi)

Viñeta de los hermanos dibujantes Ángel y Fco. Javier Rodríguez Idígoras, de Málaga (España).

> MÉDICOS SIN FRONTERAS EN SOMALIA <

CHARLES CHAPLIN Y SU PÚBLICO (Quino)

Esta reliquia gráfica de Quino es un homenaje crítico a la escena donde Charles Chaplin cocina y se come su propia bota en La Quimera del Oro (The Gold Rush, 1925). La bota y los cordones eran en realidad de regaliz, pero eso no importa. El caso es que Chaplin elevó el hambre y la pobreza a la categoría de arte: Comedia conmovedora que hace sonreír no de burla, sino por empatía e identificación, a lo cual ayudan mucho las miradas subrepticias hacia la cámara: Miradas cómplices que él cultivaba mejor que nadie. No obstante es obvio -como resalta Quino en su dibujo- que la comedia basada en el hambre solo divierte a quien no tiene el estómago vacío: Cuantos menos alimentos puedes adquirir y más te rugen las tripas, menos sonríes y menos gracia te hace. Y cuanto más se queja tu conciencia por los millones de personas que mueren de hambre en el mundo, menos gracia te hace aún. En ese sentido, si su admirado cineasta ideaba y dirigía escenas como ésta, era precisamente porque los estómagos vacíos le tocaban el corazón muy en especial.

A pesar de lo multimillonario que le hicieron su talento y su éxito en la industria del cine, Charles Chaplin se mantuvo fiel a sus orígenes (en sus obras al menos) y prefirió dar relevancia y protagonismo absoluto a los más humildes, ya fuesen un vagabundo famélico, una florista ciega, un niño huérfano o incluso un perrito abandonado. Parecía siempre obsesionado por el deseo de conmover, humanizar y despertar buenos sentimientos hacia los más débiles, como contrapartida al egoísmo materialista e insensible que dominaba la sociedad de su tiempo - y del nuestro. El hecho de que hubiese tantas criaturas en la miseria, pasando hambre, frío, desamparo y calamidades, mientras a otros -él incluido- no les faltaba de nada, era una preocupación permanente en su memoria y le indignaba sobremanera; lo mismo que a Quino, cuyas creaciones -empezando por Mafalda- son todas muy chaplinianas: en ternura infantil, en sarcasmo crítico y en carácter reivindicativo y protector. El Museo de la Luna

CIRCO DE FIERAS SIFONÁPTERAS (Charles Chaplin)

En 1919 a los treinta años Charles Chaplin filmó The Professor, una historia breve sobre un extravagante artista de variedades que llega a una pensión de mala muerte a pasar la noche con su troupe de animales de circo. Los animales de circo no son ni caballos mareados de dar tantas vueltas a la pista como asno de noria, ni leones africanos con pánico a las antorchas, ni elefantes asiáticos de orejas desgarradas por los ganchos, ni tigresas bengalíes con más latigazos en el cuerpo que rayas negras. Son fieras sifonápteras. Gigantescas al microscopio. (De unos dos o tres milímetros de largo.) Célebres principalmente por su molesta manía de vivir a expensas de la sangre de los demás, causándoles terribles picores e incluso gravísimas enfermedades como el tifus o la peste. Las fieras sifonápteras -familiarmente conocidas como pulgas y despectivamente como hijas de su pulga madre- son además criaturas muy ágiles cuyas acrobacias saltarinas superan con mucho las de Tarzán. Sin llegar a la excelencia del adorable cachorro Scraps un año antes en Vida de Perro, la actuación de los insectos en esta cinta fue talentosa e irreprochable, debido... a que solo existían en la imaginación del genial cómico. Sin embargo, el serio personaje que interpretaba él, no era exactamente su famoso vagabundo, cuyas andanzas acudía el público en masa a ver. (Con nariz postiza, pipa, sombrero de copa y maquillaje extra en cejas y bigote, estaba casi irreconocible.) De ahí que la historia quedase inconclusa, archivada y no llegase nunca a las salas de cine, a pesar de su gran calidad artística. Suerte que semejante joya se conservó y se restauró.

En 1952, ya casi jubilado, Chaplin reinterpretó la escena para su melancólica Luces de Candilejas, donde su personaje Calvero -humorista en horas muy bajas- se las ve y se las desea para sobrevivir en un mundo que le rompe el corazón con su desprecio e indiferencia. En aquel melodrama sentimental, la de las pulgas sería una de sus memorables escenas cómicas; pero la original (33 años antes) le hace la competencia en maestría escénica y encanto visual. El domador auténtico se llamaba Profesor Bosco y su capacidad para disciplinar a sus insectos a latigazos era tan notoria como su incompetencia para mantenerlas dentro de su caja. El actor y director, gran aficionado a incluir a pobres animales de circo en sus historias, en este caso no utilizó a ninguna pulga para rodar su cortometraje; son todas imaginarias, por fortuna para ellas y para el equipo de filmación, ya que el perfeccionista y obsesivo Chaplin se distinguía por repetir cincuenta veces cada toma. No obstante, los circos de pulgas existen; se 'doma' a los insectos como se acostumbra con aves y mamíferos, mediante los malos tratos: Se las encierra en frascos para que salten todo lo que quieran y se hagan daño contra el cristal. (Nos disgustan las pulgas y estamos a favor de su exterminio por razones de tranquilidad dermatológica, pero nos gusta aún menos la crueldad.)

A propósito: En Grecia se han prohibido por ley en 2012 los circos con animales. Decisión muy comprensible. Habiendo tantos herederos de Pericles y Léonidas esclavizados por el imperio del dinero y con ganas de extraerse los propios ojos como si fuesen personajes de Sófocles, y habiendo tantas garrapatas de dos patas en bancos y ministerios y tanto parásito chupasangres en Bruselas, ¿quién pagaría por meterse debajo de una sucia carpa a ver a un montón de viejos leones humillados saltar a través de ridículos hula-hops? A leones o a pulgas; la estupidez es la misma. El Museo de la Luna

LA INUNDACIÓN (William Holman Hunt)

William Holman Hunt pintó muchas maravillas, pero nuestra favorita suya es ésta; data de 1870.

El enigmático Moisés prerrafaelita está mucho más tranquilo en su cuna que su hermano el gato.
Conociendo la religiosidad del pintor muy probablemente lo que simboliza la obra es la diferencia
de actitud ante la adversidad, entre alguien con fe y esperanza... y alguien desesperado y sin fe.
El jilguero sería un ángel, comunicando al bebé que la tormenta ya pasó. El gato no le hace caso,
porque en su mentalidad solo hay espacio para el miedo y las preocupaciones que está sintiendo.
La jarra flotante no se hunde; alude a la importancia de preservar el sentido práctico y servicial.
La inundación es el Universo. Y la cuna, que transporta la vida, es la Tierra. El Museo de la Luna

GATOS MIRÁNDONOS FIJAMENTE (Irit Rabinowitz)

Bodegón con Gato Negro (2003) y Lubricats (2005) Acrílicos sobre lienzo, 60 x 80 cm.

UN GATO DE LA LUNA DIJO MIAU (María Elena Walsh)

Un gato de la Luna dijo ¡Miau!
justo cuando pasaba un astronau-
ta, que iba tan ligero
que se quitó el sombrero
pero no pudo contestarle ¡Chau!

De 'Zoo Loco' (1964)

Ilustración: Silvia Jacoboni

Soneto: AHORA (María Elena Walsh & Irit Rabinowitz)

Ahora como un ángel apareces
y me rodeas sin decirme nada.
Ángel que yo cuidara tantas veces
sin saberlo, callada.

En todo lo que miro permaneces
como el aire feliz de la mirada.
Me parezco a tu ausencia y te pareces
a mí resucitada.

Porque viniste cuando me moría
a devolverme a vivas caridades;
porque mi noche muda se hizo día

por gracia de tu voz iluminada,
en esta eternidad con que me invades
yo que no era, soy tu enamorada.

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Irit Rabinowitz, "El Jardín de la Libertad" (2005) Acrílico sobre lienzo, 120x120 cm.

ARTE EN DEFENSA DEL AMOR LÉSBICO (Irit Rabinowitz)

La pintora e ilustradora israelí Irit Rabinowitz nació en 1969 en Be'er Sheva; de 1989 a 1992 estudió en la Escuela de Arte de su ciudad y en 1993 expuso obras suyas por primera vez, como participante de una muestra colectiva en Jerusalén. En 1992 y 2003 publicó sendos libros para niños, ilustrados por ella. Actualmente reside en Tel Aviv, donde reparte su tiempo entre la enseñanza de las artes plásticas y la creación de nuevas obras. El arte de Irit se caracteriza por su estilo naïf, su delicadeza en los detalles decorativos y un cromatismo deliberadamente apasionado y jovial, así como por su temática recurrente: El amor correspondido y la convivencia feliz entre dos mujeres. En una sociedad como la israelí, donde el lesbianismo es visto con muy malos ojos por la fanática tradición religiosa imperante, el hecho de exponer obras de arte donde se defiende abiertamente la libertad sexual, supone una rebeldía no solo valiente, meritoria y admirable, sino muy necesaria y útil para concienciar.

Click > Página web de Irit Rabinowitz

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Obras seleccionadas: Dime cuánto me Amas (2004) Acrílico sobre lienzo, 120x120cm; En la Cama con un Gato blanco (2003) Acrílico sobre lienzo, 100x140cm; Pareja tomando un Baño (2003) Acrílico sobre lienzo, 90x140 cm; Autorretrato (1992) Óleo sobre papel, 40x60 cm; Pareja en la Playa (2003) Acrílico sobre lienzo, 100x150cm; y La Guardería (2004) Técnica mixta.

SOSEGANDO A MARÍA ELENA (Florencia Peña y Érica Rivas)

La sátira televisiva Casados con hijos -bastante más graciosa que la estadounidense Married with Children- se emitió en Argentina entre 2005 y 2006; dos temporadas, la primera libre y tremenda y la segunda más contenida en el lenguaje coloquial. Cada vez que se repite allí cualquiera de sus más de 200 episodios, suben los audímetros. Evidenciar la vulgaridad humana y convertirla en comedia autocrítica para entretener, se ha hecho desde siempre; en el Cono Sur y en todas partes. Lo que singulariza a esta función, es que los espléndidos guionistas e intérpretes dotaron a la más mediocre realidad de potencia verbal y ácido encanto humano. Divierte escuchar lo que dicen y cómo lo dicen. Ello se debe especialmente al carisma cómico de un actor y dos actrices: Guillermo Francella (en el papel de Pepe -carita de hostia húmeda- pusilánime y patético pero entrañable patriarca de la familia Argento); Florencia Peña (en el papel de Moni, la coqueta e inútil de su mujer); y Érica Rivas (su desequilibrada vecina María Elena, la más popular entre el público por sus inesperados ataques de rabia histérica).

Íbamos a aventurarnos a afirmar que ambas son muy probablemente las dos mejores actrices entre el canal de Panamá y el estrecho de Magallanes, pero sería muy injusto. Tomando en consideración lo grande que es el mundo y que ellas no tienen parangón ni en Hollywood ni en Bollywood, acotar la importancia de su arte solamente a América del Sur resultaría imperdonable. Se merecen un monumento a nivel planetario. O en la mismísima Luna. Su melodiosa cantilena asilvestrada reconcilia media hora con Argentina a quienes sentimos verdadera náusea hacia su cancerígena capital y en conjunto hacia la hedionda infracultura de ese país tan estúpido, primitivo, carroñero, arrogante y fanfarrón. Por usar los términos más dulces que se nos ocurren. (Un asco tan visceral como el que nos inspiran España e Italia, de cuya híbrida ignorancia se compone lo peor de la despreciable población albiceleste.) Nos encanta hacer amigos, ¿viste, che? ¡Qué lindo! Pero vos sosegate, María Elena: Quienes puedan sentirse ofendidos no entran acá; y si lo hacen, nunca nos leen hasta el final. El Museo de la Luna

POSDATA. LAS CUATRO MEJORES FRASES DE LA SERIE...

Pepe: Yo no sé si la estupidez es hereditaria o la ganamos por sorteo...

Pepe a Moni: Te acepto con tus defectos, que son más de doscientos mil.

Moni: Chiquitos... Olviden por un ratito sus vidas vacías y sin sentido...

María Elena a su marido: ¿Me vas a decir la verdad o querés una patada

en las pelotas para que te acomode el pensamiento!?

LA LEY DE LA HOSPITALIDAD (Buster Keaton)

Siglo XIX, Yanquilandia. Las familias McKay y Canfield se odian. Los brutales Canfield asesinan al patriarca de los McKay y su mujer envía a su único hijo a Nueva York para ser criado bajo la protección de su hermana. Veinte años más tarde, Willie McKay regresa a su localidad natal para hacerse cargo de la herencia paterna. Durante el viaje a la casa familiar se encuentra con la bella Virginia y ambos se enamoran. Sin embargo, cuando visita la casa de la joven, Willie se da cuenta de que Virginia es una Canfield. Y no solo eso: La familia enemiga mantiene vigente su guerra de clanes y están decididos a exterminar al descendiente de los McKay como si fuese una cucaracha. Pero... la Ley de la Hospitalidad les impide hacerle daño mientras él sea huésped en su casa. Ahora bien, cada vez que Willie pone un pie fuera de ella, no hay código de buena conducta que valga y los atentados contra su vida proliferan como envidia en cabeza de Caín...

Imaginativo melodrama cómico de raíces bíblicas y shakespearianas -e incluso cervantinas- Our Hospitality fue dirigido e interpretado en 1923 por Buster Keaton en compañía de la persona que más daño le ocasionó en toda su vida: Natalie Talmadge, su primera mujer y madre de sus dos hijos, Buster Jr. y Bob. El primogénito aparece al comienzo, en el papel de Willie bebé; el segundo nacería en 1924. Justo a continuación se deterioraría el matrimonio cuando la católica Natalie se declaró célibe; algo incomprensible e insoportable para un hombre tan repleto de testosterona como Keaton. Atención a la escena de las turbulentas aguas del río en el que acaban inmersos juntos; él renunciaba a usar dobles y pese a toda su fortaleza a punto estuvo de ahogarse en aquel rodaje, por exceso de riesgo. (Tanto líquido sin control y tanto peligro mortal no presagiaban nada bueno...)

En realidad, la magistral cinta contiene múltiples secuencias memorables, como por ejemplo aquellas en las que intervienen el perro, el burro y el caballo... dejando patente el afecto que sentía Buster Keaton hacia los animales; (cualidad que lo emparenta aún más si cabe con su colega Charles Chaplin.) Aunque si hablamos de animales domésticos -o más justo sería decir de fieras cavernícolas- cabe recordar especialmente aquel momento en que un sádico troglodita está maltratando a su masoquista mujer en el porche de su casa y el ingenuo justiciero sale en defensa de la 'pobrecita' víctima, con quijotesco resultado. Una escena que de cómica en el fondo tiene muy poco. Y es que a base de malas experiencias se aprende que muchas veces en este mundo tan patético hay que reír por no llorar. El Museo de la Luna

BUSTER KEATON Y EL AMOR (Crónica Sentimental)

En 1921 Buster Keaton, genio cómico del cine mudo, recibió carta de Natalie Talmadge, cuñada de su jefe el productor Joseph Schenck, en la que le comunicaba que estaba dispuesta a aceptarle como esposo. La boda fue civil por expreso deseo de él y para desconsuelo de la familia de la novia, que era católica. Ella nunca había estado con un hombre y él era un golfo impenitente que había perdido la cuenta de todas las señoritas con las que se había acostado. No obstante, el matrimonio funcionó bien (durante un tiempo). En 1922 tuvieron a su hijo James (Buster Junior), en 1923 actuaron juntos en La Ley de la Hospitalidad (una de sus mejores obras) y en 1924 tuvieron a su hijo Robert (Bob). Pero Natalie demostró ser una mujer muy materialista y caprichosa, derrochaba grandes sumas de dinero en ropa y mobiliario, y después del nacimiento de su segundo niño anunció a su marido que prefería utilizar su cama exclusivamente para dormir.

Hasta aquel momento él le había sido fiel; pero a partir del celibato de ella, lógicamente se dio a los romances extra-matrimoniales (el más conocido con la fogosa actriz Kathleen Key), además de a excederse con el alcohol y a faltarle el respeto en privado y en público. Hubo varias reconciliaciones, como cuando el actor y director se comprometió a dejar de ver a Kathleen -la cual, enfurecida, le destrozó su camerino como si fuese un huracán. Pero él siguió saliendo con chicas e incluso llevó a una de ellas a casa y la invitó a probarse los innumerables vestidos de su esposa. El volcán Natalie explotó definitivamente con potencia de bomba atómica y la separación matrimonial fue devastadora; (también para ella, que deterioró su salud dándose al whisky y al tabaco.) Tozuda y vengativa, consiguió el divorcio en 1932, arrambló con todo el dinero, cambió de apellido a sus niños e impidió durante diez años que vieran a su padre, a pesar de lo mucho que le querían; (tal vez por la poco civilizada afición de él a aleccionarles sobre cómo estropear el mobiliario doméstico.) Cuando hubieron cumplido la mayoría de edad, sus propios hijos le buscaron y reanudaron la rota relación.

Natalie siguió odiándole de todo corazón hasta el último día de su vida y prohibió terminantemente que se hablara de él en su presencia; ni siquiera nombrarle ni mencionarle. (Años después -ya abuela- sus nietos se divertirían gritando ¡KEATON! para hacerla rabiar.) En cuanto a él, unido el desastre familiar, matrimonial y amoroso, a la pérdida de control sobre sus obras -cuando Schenck traspasó su productora a la MGM- y a la gélida ingratitud del público, cuya progresiva antipatía desmoronó su prometedora carrera cinematográfica, Buster Keaton terminó alcohólico e ingresado en una clínica de desintoxicación... donde conoció a su segunda esposa, una enfermera con la cual se casó a raíz de una confusión etílica y que también se divorció de él, en 1936 - arruinándole anímica y económicamente; otra vez.

El hombre no levantó cabeza hasta que conoció en 1940 a la providencial Eleanor Norris, que en aquel entonces tenía solo 22 años. Keaton se hallaba en horas bajas y encima le doblaba la edad, pero ella se enamoró de él y consiguió sacarle de la depresión y devolverle su autoestima. Se casaron y vivieron felices durante los siguientes 26 años, en los cuales se reavivó el interés mundial por sus obras. Keaton enfermó de cáncer de pulmón y murió en 1966 mientras dormía; lo último que hizo antes de irse a la cama, fue jugar a las cartas con Eleanor, como era su costumbre. Quizá de no haber pasado por aquel largo calvario tras su primer matrimonio, jamás hubiera disfrutado de la felicidad que vivió después junto al amor de su vida. Dice el proverbio que no hay mal que por bien no venga.

Proverbio muy sabio, pero que no sirve para la injustamente olvidada Kathleen Key, sensible y maravillosa actriz (como demostró interpretando a la amable Tirzah en la magnífica versión de Ben-Hur de 1925 junto a Ramón Novarro) que fue despedida de la MGM tras destruir en su torbellino de celos el camerino de Buster Keaton cuando éste decidió romper su idilio con ella y que no consiguió recuperarse nunca, ni profesional ni emocionalmente, de aquel desbarajuste amoroso. Se retiró en 1936 tras varios años aceptando miserables papeles como extra y acabó hundiéndose en la soledad y el alcoholismo. Murió soltera, enferma y sin dinero en 1954 (a los 51 años) en la Motion Picture Country House, un hogar comunitario para gente retirada de Hollywood. El Museo de la Luna

DANZA BUDISTA CHINA GUAN YIN DE LA COMPASIÓN

En la doctrina budista de Asia del Este, Guan Yin es la bodhisattva china de la Compasión y diosa de la Misericordia. Su nombre completo es Guan Shi Yin (觀世音). En chino, Guān significa 'observación', Shì 'el mundo' y Yīn 'los sonidos', especialmente de quienes sufren. De este modo, Guan Yin es el alma compasiva que observa a quienes piden ayuda y les ofrece su asistencia solidaria, simbolizada por mil brazos con un ojo en cada mano. En sánscrito se le conoce como Buda Avalokiteshwara y en tibetano como Buda Chenrezig. Gautama Siddhartha (Buda) decía: 'Siempre y cuando seas amable y haya amor en tu corazón, un millar de manos acudirán naturalmente en tu ayuda. Siempre y cuando seas amable y haya amor en tu corazón, te nacerán mil manos con las que podrás ayudar a otros.' Este grupo que interpreta la Danza de Guan Yin se denomina Compañía China de Arte y Danza para Discapacitados. Son todas mujeres sordomudas. Tai Lihua, la bailarina principal, es profesora de danza en la escuela para personas sordomudas de Hubei, China. Ojalá el conjunto de su inhumano país se comportase de acuerdo a los preceptos morales de Buda, principalmente en lo concerniente al respeto a las minorías étnicas y a los demás seres vivientes, porque lo habitual allí -sobre todo entre la gente de ciudad- es el materialismo explotador y la falta de compasión hacia la vida de los demás. El Museo de la Luna

EL MAQUINISTA DE LA GENERAL (Buster Keaton)

Al ferroviario Buster Keaton le roban su amada locomotora unos soldados en plena Guerra de Secesión Americana y encima le secuestran a su novia. Se decide entonces a viajar en su persecución, tozudo e incansable por las vías del tren, ya que el amor es un bien bastante escaso y hay que cuidarlo; y a las novias también. Una historia magnífica, muy cómica y espléndida a todos los niveles, que expertos de renombre incluyen entre las diez mejores obras cinematográficas jamás realizadas; a pesar de ser muda, a pesar de haberse filmado hace casi noventa años (1926) y a pesar de que en su estreno ni la crítica ni el público supieron apreciarla en lo que valía. Todo adjetivo se queda corto a la hora de elogiar la esforzada labor del genial Keaton como director y como actor. En cuanto a Marion Mack, la actriz protagonista, abandonó la profesión después del rodaje porque no quería volver a estar seis meses seguidos alejada de su marido; desde entonces se metió a guionista. Una lástima, pues su actuación aquí resulta maravillosa; hay que ser una mujer muy inteligente para interpretar con ese encanto a una moza tan escasa de luces. En los títulos de crédito iniciales, Keaton la colocó a ella en primer lugar y él se puso el último: Ya solo por ese elegante detalle se merece una amplia sonrisa de admiración. El Museo de la Luna

BLANCANIEVES (Benjamin Lacombe)

Las ilustraciones de Benjamin Lacombe suelen tener como protagonistas a niñas y niños sometidos a violencia psicológica y graves amenazas. La tristeza y la melancolía son comunes a casi todas ellas y rara es la vez en que retrata personajes felices. Su visión saturniana y pesadillesca de la infancia y de la vida le entronca directamente con Edgar Allan Poe - cuyos Cuentos Macabros ilustró en 2009 - de ahí que se le relacione temática y estéticamente con el más célebre director de cine gótico, de cuyo nombre preferimos no acordarnos. Portadista excepcional y maestro del cromatismo, Lacombe cumple treinta años en 2012 y es bastante probable que sus mejores obras estén todavía por llegar. Le deseamos por tanto una larga y fructífera existencia. El Museo de la Luna

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LA MECÁNICA DEL CORAZÓN (Mathias Malzieu)

Mathias Malzieu dio forma a temas de su gótico best-seller en un álbum musical - del mismo título que el libro - interpretado por su grupo Dyonisos en colaboración con su novia Olivia Ruiz. El video animado 'Cállate Corazón' fue dirigido en 2007 por Stéphane Berla, que comparte con Malzieu influencias estéticas muy mal disimuladas; nos abstenemos de nombrar a 'quién' recuerdan ambos, ya que ese sobrevalorado necrófilo nos cae casi tan pésimo como su antipática mujer. Según parece hay también un largometraje en producción basado en el cuento y muy probablemente decepcionará bastante a los miles de lectores encantados con él. O al menos a quienes preferiríamos no verlo reducido a un mediocre simulacro a mitad de camino entre Edward Scissorhands y La Novia Cadáver. El hecho es que en 2010 prescindieron de Benjamin Lacombe (el maravilloso ilustrador que diseñó la portada del libro) y eso ya supuso una muy mala noticia. Pero aún peor fue que entregasen la batuta de la animación al superficial Luc Besson y que éste pensase en el dibujastro Joann Sfarr como diseñador de los personajes. Ojalá hayan cambiado los integrantes de la orquesta visual, pues de lo contrario ese corazón relojero - hecho de acero, madera y piedra - tiene pinta de sonar tan hueco y pueril como la Sinfonía de los Juguetes de Leopold Mozart. Cu-cú, Cu-cú, Cu-cú.

A quien no haya leído el cuento, desde aquí le recomendamos la curiosa experiencia; no porque vaya camino de editarse cien veces en múltiples idiomas - eso no es garantía de nada - sino porque resulta de lo más interesante recuperar gracias a él la imaginación infantil. Obviamente, acabar amando-odiando a Miss Acacia de todo corazón, de novedoso tiene poco: ¿Qué mujer habrá inspirado alguna vez un amor ideal que no haya terminado convirtiéndose en irremediable desilusión? La musa del poeta Francesco Petrarca, por ejemplo; pero eso fue por dos motivos: Uno, que el platónico poeta jamás la conoció en persona; y dos, que la tal Laura murió muy joven y no le dio tiempo a generar mala vibra en él, aparte de su tristeza sepulcral. Es algo así como abrazar a un cactus cuyas espinas ya no pinchan porque el Sol lo ha convertido en polvo. Quien ame a una mujer bondadosa e inofensiva, tiene un tesoro fuera de lo común; ya puede dar gracias a las divinidades celestiales y rezar por su salud y longevidad, porque la belleza espiritual en las mujeres fue siempre tan poco frecuente como la cercanía del cometa Halley con respecto al planeta Tierra. Y lo sigue siendo; en creciente escala poblacional.

El caso es que al melodramático Jack, el protagonista de La Mecánica del Corazón, le toca en mala suerte poner a prueba su músculo relojero enamorándose de una moza impresentable. El género femenino digno de confianza, inspira poco a los escritores de éxito, salvo excepciones fuera de serie. El público parece aburrirse cuando se le ofrecen historias sobre parejas felices sin problemas cardíacos, de ahí que nadie las publique. Vende más el morbo del desgraciado infeliz con enfermedad coronaria crónica, enamorado de la femme fatale de bonita fachada e interior repleto de ocultas espinas, antes que la sublime serenidad del amor más sencillo y sincero del mundo. Debería alguien equilibrar la balanza redactando en algún momento apacibles cuentos de amor correspondido y sentimientos saludables. Lo otro empieza a convertirse en un vicio nocivo, semejante a preferir la ginebra al agua de manantial o el ron pirata al zumo de naranja. El Museo de la Luna

¿DÓNDE TE HABÍAS METIDO? (David Horsey)

- ¿Dónde te habías metido? Ni un e-mail. Ni un mensaje de texto. Ni rastro de ti en tu blog.
No actualizaste tu estado en Facebook. ¡Parecía como si se te hubiera tragado la tierra!
- ¿No miraste en mi Twitter? - Ups, perdón... "Subo escaleras. Voy al lavabo. Vuelvo en 5."

YO TAMBIÉN TE EXTRAÑO (Erlich)

SIENTO QUE LO NUESTRO NO ES CASUAL (Erlich)

MARIVÍ, ERES MUY DULCE (Erlich)

ESE HOMBRE NO TE CONVIENE (Erlich)

¿CUÁLES SON TUS INTENCIONES? (Erlich)

ME GUSTA PREVER (Erlich)

¿SOBRE QUÉ QUIERES SABER, HIJA? (Erlich)

¿POR QUÉ LOS ADULTOS NO VUELAN? (Erlich)

HEMOS TENIDO SUERTE (Erlich)

LA NATURALEZA PROVEERÁ LO NECESARIO (Erlich)